Фигурален чертеж - Figure drawing - Wikipedia

От Уикипедия, Свободната Енциклопедия

Pin
Send
Share
Send

Рисунка на фигура от Леонардо да Винчи

A рисунка на фигура е рисунка на човешката форма във всяка от различните й форми и пози използвайки който и да е от чертежа медии. Терминът може също да се отнася до акта на производство на такъв рисуване. Степента на представяне може да варира от много подробни, анатомично правилни визуализации до хлабави и изразителни скици. "Рисунка на живота" е рисунка на човешката фигура от наблюдение на живо модел. Рисунката на фигура може да бъде композирано произведение на изкуството или a изследване на фигури направено в подготовка за по-завършена работа като рисуване.[1] Рисуването на фигури е може би най-трудният предмет и художник често срещани срещи и цели курсове са посветени на темата. Човешката фигура е една от най-трайните теми в визуалните изкуства и човешката фигура може да бъде в основата на портретиране, илюстрация, скулптура, медицинска илюстрацияи други полета.

Подходи

Художниците използват различни подходи за рисуване на човешката фигура. Те могат да черпят от живи модели или от снимки,[2] от скелетни модели или от памет и въображение. Повечето инструкции се фокусират върху използването на модели в курсове за "рисуване на живот". Използването на фотографски справки - макар и често срещано от развитието на фотография- често е критикуван или обезсърчаван заради тенденцията му да създава „плоски“ образи, които не успяват да уловят динамичните аспекти на обекта. Черпането от въображението често се възхвалява за изразителността, която насърчава, и се критикува за неточностите, въведени от липсата на знания или ограничената памет на художника при визуализирането на човешката фигура; опитът на художника с други методи оказва голямо влияние върху ефективността на този подход.

При разработването на образа някои художници се фокусират върху формите, създадени от взаимодействието на светли и тъмни стойности върху повърхностите на тялото. Други възприемат анатомичен подход, започвайки от сближаване на вътрешния скелет на фигурата, припокриващи вътрешните органи и мускулатура, и покриване на тези форми с кожата и накрая (ако е приложимо) облекло; изучаването на вътрешната анатомия на човека обикновено се включва в тази техника. Друг подход е да се изгради свободно тялото от геометрични форми, например сфера за черепа, цилиндър за торса и т.н., след това усъвършенствайте тези форми, за да приличат по-близо на човешката форма.

За тези, които работят без визуална справка (или като средство за проверка на нечия работа), пропорции, които обикновено се препоръчват във фигурен чертеж са:[3]

  • Обикновеният човек обикновено е висок 7 и половина глави (включително главата). Това може да бъде илюстрирано на учениците в класната стая с помощта на хартиени чинии, за да се демонстрира визуално дължината на телата им.
  • Идеална фигура, използвана за впечатление на благородство или грация, е нарисувана на 8 глави.
  • Героична фигура, използвана при изобразяването на богове и супергерои, е висока осем и половина глави. По-голямата част от допълнителната дължина идва от по-голям гръден кош и по-дълги крака.

Тези пропорции са най-полезни за постоянен модел. Пози, които въвеждат ракурс на различни части на тялото ще ги накара да се различават.

Медия

Седнала жена, рисунка в черен пастел, училище на Рембранд (17-ти век)

The Френски салон през 19 век препоръчва използването на Конте пастели, които са пръчки от восък, масло и пигмент, комбинирани със специално формулирана хартия. Изтриването не беше разрешено; вместо това се очакваше художникът да опише фигурата с леки удари, преди да направи по-тъмни, по-видими белези.

Рисунка на фигура от Ловис Коринт. Преди 1925г

Популярна съвременна техника е използването на a дървени въглища пръчка, приготвена от специални лозя и по-груба форма на хартия. Въгленът прилепва свободно към хартията, което позволява много лесно изтриване, но окончателният чертеж може да бъде запазен, като се използва спрей "фиксатор", за да се предотврати триенето на въглен. По-твърдият компресиран въглен може да доведе до по-съзнателен и прецизен ефект, а градуирани тонове могат да се получат чрез размазване с пръсти или с цилиндричен хартиен инструмент, наречен пън.

Графитният молив също често се използва за рисуване на фигури. За тази цел моливите на художници се продават в различни формулировки, вариращи от 9B (много меки) до 1B (средно меки) и от 1H (средно твърди) до 9H (много твърди). Подобно на въглен, той може да бъде изтрит и манипулиран с помощта на пън.

Мастилото е друга популярна среда. Художникът често започва с графитен молив, за да скицира или очертае чертежа, след което последната линия се извършва с химикал или четка, с постоянно мастило. Мастилото може да се разрежда с вода, за да се получат градации, техника, наречена измиване с мастило. Следите от молив могат да бъдат изтрити след нанасянето на мастилото или да останат на място, като тъмните мастила ги надвишават.

Някои художници рисуват директно с мастило, без да подготвят скица с молив, като предпочитат спонтанността на този подход, въпреки факта, че ограничава възможността за поправяне на грешките. Матис е художник, за когото е известно, че е работил по този начин.

Предпочитан метод за Вато и други художници от 17 и 18 век на Барок и Рококо ерата трябваше да започне с цветна основа на тона на половината между бялото и черното и да добави сянка в черно и подчертава в бяло, използвайки писалка и мастило или "пастел".

История

Човешката фигура е обект на рисунки от праисторически времена. Докато студийните практики на античните художници са до голяма степен въпрос на догадки, че те често рисуват и моделират от голи модели, се предполага от анатомичната изтънченост на техните произведения. Анекдот, свързан с Плиний описва как Zeuxis прегледа младите жени на Agrigentum гол, преди да избере пет, чиито черти би съчетал, за да нарисува идеално изображение.[4] Използването на голи модели в работилницата на средновековния художник се подразбира в писанията на Cennino Cennini, и ръкопис на Вилар дьо Онекур потвърждава, че скицирането от живота е установена практика през 13 век.[4] Карачи, които отвориха своите Accademia degli Incamminati в Болоня през 1580-те, задайте модела на по-късните училища по изкуства, като превърнете живота в основна дисциплина.[5] Курсът на обучение започна с копиране на гравюри, след което се пристъпи към рисуване от гипсови отливки, след което учениците бяха обучени да рисуват от живия модел.

В края на 18 век учениците в Jacques-Louis DavidСтудиото следва строга програма за обучение. Майсторството в рисуването се счита за предпоставка за рисуване. В продължение на около шест часа всеки ден учениците теглиха от модел, който оставаше в същата поза една седмица.[6] "Рисунките от осемнадесети век, като тези, приписвани на Жак-Луи Давид, обикновено се изпълняват върху тонирана хартия в червен или черен тебешир с бели отблясъци и затъмнена земя. Позите на моделите имаха тенденция да бъдат активни: стоящи фигури изглежда ще се раздвижат дори седналите фигури жестикулират драстично. Внимателното наблюдение на тялото на модела беше второстепенно при изобразяването на неговия жест и много рисунки - в съответствие с академичната теория - изглежда представят представителна фигура, а не конкретно тяло или лице. За сравнение, академии, произведени в деветнадесети век [...] обикновено са изпълнявани с черен тебешир или въглен върху бяла хартия и са прецизни изображения на особеностите и идиосинкразиите на тялото на живия модел. са редки, дори стоящите пози са сравнително статични ... " [7] Преди края на 19-ти век жените обикновено не са допускани до уроци по рисуване на фигури.[8]

Академична фигура

An академична фигура е рисуване, живопис или скулптура в буквален смисъл на разголено човешко тяло използване на жив модел, обикновено с половин живот.[необходимо е цитиране]

Това е често упражнение, изисквано от студентите в училища по изкуства и академии, както в миналото, така и сега, откъдето идва и името.[9]

Жени

Трансцендирана академична фигура от художник-неокласик Пиер Сублейрас

Историческите сведения разкриват, че голи модели за амбициозни художнички бяха до голяма степен недостъпни. На някои жени им беше забранено да посещават определени институции, защото се смяташе за неподходящо и дори опасно за тях да учат от разголени модели.[10] Въпреки че мъжете получиха достъп до мъжки и женски голи, жените бяха ограничени да учат анатомия от отливки и модели. Едва през 1893 г. на студентките е разрешен достъп до рисуване на живот в Кралската академия в Лондон,[11] и дори тогава моделът трябваше да бъде частично драпиран.[12]

Ограниченият достъп до голи фигури възпрепятства кариерата и развитието на женските художници. Най-престижните форми на рисуване изискват задълбочени познания по анатомия, които систематично се отказват на жените,[12] които по този начин бяха отнесени към по-малко разглеждани форми на живопис като жанр, натюрморт, пейзаж и портретиране. В Линда НохлинВ есето „Защо не е имало велики жени художници“ тя определя ограничения достъп, който жените са имали до рисуването на голи фигури, като исторически значима бариера пред женското художествено развитие.[12]

Съвременни студийни инструкции

Рисунка на човек, седнал с кръстосани крака
Голо проучване от Анибале Карачи

Инструкциите за рисуване на фигури са елемент от повечето изящно изкуство и илюстрация програми. Академии за изящно изкуство в Италия има scuola libera del nudo („безплатно училище на голите“), което е част от програмата за степен, но е отворено и за външни студенти.[13] В типична класна стая в студио за рисуване на студенти учениците седят около модел или в полукръг, или в пълен кръг. Няма двама ученици с абсолютно еднакъв изглед, така че рисунката им ще отразява перспективата на уникалното местоположение на художника спрямо модела. Моделът често позира на стойка, за да даде възможност на учениците по-лесно да намерят безпрепятствена гледка. В зависимост от вида на поза, могат да се използват мебели и / или подпори. Те обикновено са включени в рисунката, доколкото те са видими за художника. Въпреки това фоновете обикновено се игнорират, освен ако целта е да се научи за поставянето на фигури в среда. Индивидуалните модели са най-често срещани, но множество модели могат да се използват в по-напреднали класове. Много студия са оборудвани, за да позволят разнообразни аранжировки за осветление.

Когато се преподават на ниво колеж, моделите за рисуване на фигури често са (но не винаги) голи (освен малки бижута, реквизит или други незабележими предмети). Докато позира, обикновено се изисква моделът да остане напълно неподвижен. Поради трудността да се направи това за продължителен период от време, периодичните почивки, за да може моделът да си почине и / или да се разтегне, обикновено се включват в по-дълги сесии и за по-трудни пози.

В началото на сесия за рисуване на фигурата моделът често се изисква да направи поредица от кратки пози в бърза последователност. Те се наричат ​​жестови пози и обикновено са по една до три минути. Рисуване с жестове е упражнение за загряване за много художници, въпреки че някои художници очертават жеста като първата стъпка във всяка фигурална рисунка.[14] Тези широки удари се правят не само с едно движение на китката, но и с използване на цялата ръка, за да улови движението на модела. Също така помага да се фокусира художникът върху модела, вместо върху хартията. Що се отнася до човешкото тяло, художниците са болезнено критични; пропорциите на натюрморт не трябва да се рисуват перфектно, за да изглеждат автентични, но дори и най-малката грешка в човешките пропорции ще бъде лесно открита.

Съвременните и съвременни художници могат да изберат да преувеличават или изкривяват пропорциите, за да подчертаят жеста или възприетото настроение на позата на моделите. Резултатите могат да се разглеждат като завършено произведение на изкуството, изразяващо както темата, така и наблюдението, емоционалността и отзивчивия отговор на опита на художниците в рисуването.

Анатомията е само първото ниво на загриженост в житейските класове. Фигура-земя взаимоотношения и други аспекти на композицията също са разгледани. Балансът на композицията става по-важен и следователно по-разбираем чрез рисуване в живота. На художника кинестетичен реакцията на позата и как това се предава чрез избор на арт медия е по-напреднала грижа. Тъй като целта на класовете по рисуване на фигури е да се научи как да рисува хора от всякакъв вид, мъжки и женски модели от всички възрасти, форми и обикновено се търсят етнически групи, вместо да се избират само красиви модели или такива с "идеални" фигури. Някои инструктори специално се стремят да избягват вида на моделите, предпочитани от модните фотографи, търсейки по-„реалистични“ примери и да избягват всякакви последици от сексуалната обективизация. Инструкторите могат също така да предпочитат модели на определени типове тела въз основа на уникалните контури или повърхностни текстури, които те предоставят. Разнообразието от наети модели може да бъде ограничено от необходимостта те да държат поза за продължителни периоди (премахване на неспокойни деца и немощни възрастни хора) и опасения за скромност и законност, когато моделите позират разголени (ограничаване на използването на непълнолетни).

Вижте също

Бележки

  1. ^ Бери, гл. 8 - "Рисуване като подготовка"
  2. ^ Морийн Джонсън и Дъглас Джонсън (2006). Художествени модели: Актуални животни за рисуване, рисуване и скулптуриране. Книги на живо на живо. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Девин Ларсен (19 януари 2014 г.). „Стандартни пропорции на човешкото тяло“. makingcomics.com. Изтеглено 6 септември, 2020.
  4. ^ а б Строго академичен 1974 стр. 6.
  5. ^ Строго академичен 1974, с. 7.
  6. ^ Строго академичен 1974, с. 8.
  7. ^ С. Уолър, Изобретяването на модела: художници и модели в Париж, 1830-1870. 2016, стр. 5.
  8. ^ Строго академичен 1974, с. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» и «Modèle», в Encyclopédie méthodique. Beaux-arts, Париж, Panckoucke, 1791. Източник цитиран в fr: Академия (dessin)
  10. ^ Майърс, Никол. "Жени художници във Франция от XIX век". Музей на изкуствата Метрополитън.
  11. ^ Левин, Ким. "Топ десет истории на ARTnews: Разкриване на скрития" Той'". ArtNews.
  12. ^ а б ° С Нохлин, Линда. „Защо не е имало велики жени артистки?“ (PDF).
  13. ^ Маджоли (2013).Codice delle leggi della scuola, стр. 829–830. ISBN 8838778639 (на италиански)
  14. ^ Наръчник на художествения модел http://www.artmodelbook.com

Препратки

външни връзки

Pin
Send
Share
Send